En la 14° versión de esta muestra colectiva participarán: Carolina Busquets, Diana Monsalve, Vesna Cotoras, Rosario García-Huidobro, Camila Paz Llona, Andrea Rojas y Javiera Valencia.

La Corporación Cultural De La Reina, tiene el agrado de invitar a la inauguración de la décima cuarta versión de la muestra “Mujeres en el Arte”, a cargo de destacadas artistas nacionales. La actividad se llevará  a cabo el jueves 24 de abril a las 19:30 hrs. en la sala de nuestra institución ubicada en calle Santa Rita N° 1153 esquina Echeñique. 

“Mujeres en el arte 2014” es una iniciativa de nuestra institución que pretende difundir el trabajo de artistas emergentes y consagradas nacionales desde su perspectiva de mujer. Esta muestra incluirá: técnicas mixtas, acuarelas, óleos, grabados, xilografía y fotografía.

Las expositoras que estarán presentes en la muestra son Carolina Busquets, Diana Monsalve, Vesna Cotoras, Rosario García-Huidobro, Camila Paz Llona, Andrea Rojas y Javiera Valencia.

La muestra permanecerá abierta hasta el 23 de mayo. Horario de la sala: lunes a viernes de 9:00 a 14:00 hrs. y de 15:00 a 19:00 hrs. Sábados de 10:00 a 13:00 hrs. Entrada liberada. 

Expositoras:

Carolina Busquets S.

Santiago, 1969. Desde temprana edad se ve expuesta al arte y la expresión artística en el seno de su familia. Aprende diversas técnicas de las artes visuales no sólo con su madre, Loreto Sanhueza, sino también con varios profesores en el Instituto Cultural de Las Condes y posteriormente estudia dibujo al pastel con el profesor Karl Müller. En el año 1995 comienza sus estudios de Licenciatura en Arte en la Universidad Católica. A mediados de 1997 viaja a Estados Unidos, donde asiste a talleres de Grabado en Metal y Serigrafía en el Centro de Artes de Carrboro en Carolina del Norte (1997-1998). Posteriormente estudia técnicas de dibujo Figura Humana y Retrato con el profesor Luis Sánchez en el Centro de Artes Visuales de Dallas durante tres años. En este período estudia en los talleres de Figura Humana y Pastel en la Southern Methodist University y participa de los Talleres de Extensión del Dallas Museum of Art. Sus obras han sido expuestas en diversos países, tales como; Chile, USA, Canadá, Hungría, Italia, Bélgica, Rumania, Noruega, Francia, Perú, Grecia, Trinidad y Tobago, México y Argentina. 

Proyecto “Travesía”

“Cuando emprendas tu viaje hacia Ítaca debes rogar que el viaje sea largo…”

Así comienza el poema “Itaca” de Konstantinos Kavafis y en tales versos me he basado para crear el mundo visual de una travesía por mar, travesía que representa el pasaje por nuestra vida. Mares tranquilos, tanto como agitados se funden y confunden con el cielo, revelando tras de ellos islas en la distancia o tierra firme. A veces mostrando el barco con el cual se llega a ellas y otras haciendo este elemento implícito, invitando al espectador a darse cuenta de que no necesita ver el barco para estar dentro de él. Vientos huracanados y tormentas representan la vorágine con la que a veces vivimos nuestra vida. En estas obras sobre tela se combina la abstracción con lo figurativo, tal como en nuestra vida se mezcla lo físico con lo metafísico, lo objetivo con lo subjetivo. 

Diana Monsalve Jara

Un espíritu en la búsqueda de un puente hacia lo invisible, hacia el sonido del silencio y el dominio del estado de Ser. Viaja en su conciencia hacia los límites de lo verdadero, de realidad en realidad, plasmando los colores y las formas de la energía. Nace en Concepción el 5 de Junio de 1983, se gradúa como Diseñadora Industrial de la Universidad del Bío-Bío en el año 2008. Artista autodidacta, profundiza su aprendizaje con el pintor chileno Felipe Oyarzún E. Sus últimas muestras las ha realizado en la Casa Museo Michoacán, en La Reina, la Feria de Artistas del Siglo XXI, FAXXI, en Vitacura, y la exposición colectiva Download, en la galería Espacio Tres, en Málaga, España.

Proyecto: “Todos los Mundos”

 El mundo actual se ocupa en llenar todo cuanto hay de todo cuanto podemos ver. Y al parecer este afán nos ha llevado a tocar fondo, hemos llegado al límite, nuestro futuro amenaza en convertirse en una lucha por conseguir los últimos recursos, vivimos en un estado permanente de crisis; energética, alimenticia, hídrica…de significado y de sentidos. 

En este inquieto escenario somos los actores de quizás el último giro de este ciclo, que rueda solamente por inercia. Pero todo es neutro y en este universo nada muere, todo está constantemente transformándose de un estado a otro y esta crisis es también una oportunidad de transformarse, el momento para dejar de “revolucionar” en el mismo ciclo y “evolucionar” al próximo, liberarnos de nuestros ojos y explorar fuera de los límites conocidos en búsqueda de nuevos recursos, nuevas fuentes de energía, nuevos sentidos. Creer para poder ver.

Esa es la intención que guía a quienes en diversas áreas han comprendido que vivimos en un mundo de luz, de energía ilimitada que crea e inunda todo. Las verdades se tocan mutuamente en la física, la medicina, la psicología, la matemática, la química… nuestro hábitat poco a poco se ha ido develando para mostrarnos que no existe el vacío.

Es aquí donde nace mi obra, en la búsqueda de un puente hacia lo invisible, de un tercer ojo que nos muestre las formas de la energía creadora que nos inunda, que nos permita ver el sonido del silencio y el lleno del vacío.

Nace como una invitación a aprender el idioma en que la energía nos habla.  Reactivar la conexión olvidada con esos mundos intangibles, el mundo platónico de las ideas, el mundo de la consciencia.

La técnica elegida, acrílico sobre tela, ha permitido desarrollar un conjunto de obras que traspasan los límites humanos de imaginación para regirse por las leyes universales. Obras libres, nuevas, etéreas. Que contienen la belleza del origen, conocida por nuestra conciencia.  Quisiera presentar en ellas el descubrimiento de estos mundos vivos, llenos de detalles, color y luz.  Mostrar cómo se plasma el fluir de esa energía en la tela. Revelar en parte el código secreto en el que se cultiva la vida. 

Vesna Cotoras Viedma

Nace en Santiago de Chile, el 26 de enero de 1988. Realiza sus estudios de Educación General Básica con mención en Artes Plásticas en la Pontifica Universidad Católica de Chile. Entre los años 2011 y 2012 cursa un Diplomado de Estudios en Arte con mención en Pintura y luego otro con mención en Dibujo (PUC), del cual obtiene Beca de Excelencia. Paralelamente toma un curso de Grabado en metal. En el año 2013 ingresa a estudiar Licenciatura en Artes Visuales (PUC), donde actualmente es estudiante de segundo año. En agosto de ese mismo año, es seleccionada por la Galería Artium para participar en un evento de venta de grabados y fotografías, en la que se presenta con xilografías, grabados en metal y técnica mixta. 

Proyectos: “Ciudad y movimiento” (serie de 3 grabados), “12 PM” (serie de 12 grabados) y “Víctimas”.

Presentaré tres proyectos, por un lado se encuentra “Ciudad y movimiento”, una serie de 3 grabados en los que busqué trabajar la idea de la ciudad, el movimiento y las luces nocturnas en matrices de tetrapack  (grabado verde) utilizando punta seca y cortes directos en la matriz además de algunas texturas para lograr distintos efectos.

Por otra parte está una segunda serie titulada “12 PM”, que consiste en 12 grabados en metal (punta seca) en los que deseaba ahondar la idea de registro, al estilo de un diario de vida, de las actividades que realizaba a las 12 del día enfocándome principalmente en mis pies para tratar la temática desde otro punto, trabajando un grabado diario. Al observar la secuencia se van revelando las características y la personalidad de la autora aumentando la curiosidad del espectador desde el primer grabado al último. Los grabados se pueden montar en una fila o en tres de 4 grabados cada una.

Por último, y trasladándonos de los pies a otra parte del cuerpo, presento xilografía y técnica mixta donde las protagonistas son las manos femeninas.  El proyecto se titula ‘Víctimas’ y a través del uso de la imagen de manos de mujeres reales trabajadoras en el rubro de asesoras de hogar o dueñas de casa, trato proyectar mi preocupación e interés por la desigualdad en el trabajo de las labores domésticas entre mujeres y hombres y el peso, por ende, que recae exclusivamente en el sexo femenino desmereciéndose además esta ardua labor.  

El objetivo general de mi proyecto, entonces, será en primera instancia criticar el machismo presente en la publicidad de los años 60’ en las revistas chilenas, pero con el deseo de ir más allá llevándolo a la actualidad, donde subsiste quizás de manera más oculta el mismo machismo 

Se buscará elevar el trabajo doméstico manifestando el esfuerzo y las consecuencias del mismo a lo largo de los años en las mujeres, en este caso lo acotaré y representaré a través de sus manos (sequedad, manchas, deformidades, uñas partidas, pérdida del esmalte, etc.).

Entonces, observarán una propuesta de grabado en papel tradicional donde la composición tiene como base la imagen de una publicidad de Cutex (revista Eva) intervenida con manos de mujeres reales, que fueron observadas, dibujadas y llevadas a la xilografía. Por un lado está la mano que intenta retirar el rostro descontento del hombre que ‘debe ayudar’ mientras se seca el esmalte de las uñas de su esposa y las otras manos que vienen a contraponerse con las perfectas de la mujer de la propaganda.

La segunda propuesta de grabado la imprimo en papel reciclado, con el fin de jugar con la pulpa y crear texturas que tuviesen una semejanza con la rugosidad de las manos de trabajo e imprimí una textura que aludiese a los guantes para lavar la loza buscando crear un juego con las manos. Escogí el papel reciclado, además, por ser pertinente con el concepto de mi obra que era el uso constante de las manos, lo que se vinculaba directamente con la reutilización del papel.

En cuanto a la serie de manos con impresiones de géneros, también conforman parte de este proyecto al querer transmitir tensión entre la textura del material, los pliegues delicados, la transparencia… con la rudeza de las manos representadas.

Rosario García-Huidobro

Santiago, 1985. Licenciada en Artes Visuales el año 2007 y Educación Pedagógica el 2008, ambas carreras en Chile. Ha trabajado como profesora de Artes visuales en colegios Chilenos, con niños de primaria y secundaria, desde el año 2008 hasta el 2011. El año 2012 concluye el máster, Artes Visuales y Educación, un enfoque Construccionista, de la Universidad de Barcelona. Ese mismo año comienza sus estudios de doctorado en el programa, Artes y Educación, de la misma universidad en Barcelona. Ha realizado diversas exposiciones tanto a nivel nacional como internacional.

Proyecto: “Diálogos con mujeres artistas docentes”

Esta serie surgió a partir de mi interés por comprender lo que significa ser una mujer artista y profesora. En este sentido, las cinco mujeres artistas que forman parte de este proyecto las he conocido en distintas etapas y contextos de mi vida. Las cinco se identifican como mujeres artistas docentes y desde aquí me he interesado por comprender visualmente cómo dan sentido a su experiencia entre las artes y la educación.

La serie se compone por diez obras. Cinco retratos en acuarela de cada mujer artista docente y además, cada retrato está acompañado de una narrativa visual, realizada digitalmente, que cuenta el proceso de construcción del retrato y mis diálogos con sus relatos.

Para ello, le pedí a cada una que narrara, desde el género o forma literaria que quisiera (ensayo, carta, recuerdo, anécdota, cuento, etc.) cómo se percibe como mujer artista docente. Estos relatos me han permitido entrar en sus historias para pensar cómo enfrento sus historias como mujer artista.

Cada una de las obras que componen esta serie son diálogos personales con la mujer retratada. Por un lado, muestro el retrato en acuarela que he realizado sobre cada mujer artista docente, y por otro, muestro el proceso de cómo he realizado los retratos. Cada narrativa visual cuenta, tanto visual como textualmente, un proceso distinto de comprender sus palabras y mis reflexiones.

A partir de sus relatos, como evidencias de sus historias, generé un diálogo durante el proceso de retratarlas. Sus experiencias me hacían pensar, me atravesaban y a partir de sus relatos comenzaba a dialogar con ellas. Durante estas reflexiones pintaba sus rostros, las observaba y me acercaba a ellas para conversar íntimamente. Dibujaba, escribía, pintaba, escribía, escribía y pintaba, como actos que se iban tejiendo de manera espontánea y consecutiva. Un diálogo con tres voces. La voz de sus experiencias, la voz de cómo sus experiencias rebotaban en mí y la voz de los retratos, siendo éstos una manera de mirarlas mientras dialogábamos. Estas conversaciones son las que me llevaban a crear, desde mi propia mirada como artista, un nuevo relato que es escrito y pictórico.

Camila Paz Llona

Santiago, 1987. Licenciada en Artes Plásticas, con mención en fotografía en la Universidad de Chile. Práctica Profesional, Fotografía y Producción en Corporación Amigos Museo de Arte Contemporáneo, MAC.                                      

Proyecto “Falsità”

Se compone de 16 imágenes de 20 x 20 cm, la cuales están separadas por un margen de 1 cm y distribuidas cuatro imágenes hacia el lado y cuatro imágenes hacia abajo, dando un total de 83×83 cms 

La obra está directamente relacionada con la observación del cuerpo, específicamente la observación de la piel y el comportamiento de esta. Es así como se hace presente la carnación;  entendida como la representación de la piel humana.

Se decide  trabajar con las extremidades superiores. Estas  se intervienen con elásticos para lograr la abstracción; es así como la extremidad pierde protagonismo, deja de ser lo que es, lográndose la descontextualización y desnaturalización de cómo recordamos y entendemos el cuerpo, la piel toma el papel principal. Se ha trabajado con la piel de mujeres en la medida en que reconoce que la piel de ellas es siempre objeto de  las miradas. Debe ser siempre perfecta, lisa, tersa. La piel femenina sufre de los embates del tiempo y los cambios físicos más que las pieles masculinas, por lo que a pesar de su delicadeza, es resistente a todo. No se trata de una deformación, sino una prueba de resistencia.

Andrea Rojas Arellano

Artista Visual. Nació en Santiago de Chile, el 30 de junio de 1991. Ingresó a la Facultad de Artes Visuales de la Universidad de Chile en el año 2010,  formando su especialidad en el Taller de Pintura de Nury González, además cursando como taller complementario de Serigrafía. Su trabajo plástico es abordado a través de la pintura y  video-instalación como tema central la mujer y la infancia. Ha expuesto colectivamente en el espacio independiente, El Gabinete del DR. Sazié (2013) y en el Museo Benjamín Vicuña Mackenna (2013). Actualmente forma parte del Colectivo “Síntoma” integrado por Rodrigo Vargas y Roery Herrera. 

Proyecto “Óvulo” 

La potencialidad del cuerpo femenino como soporte de manifestación. A lo largo de la historia la representación  visual de la mujer nos ha mostrado su rol social e ideal que ha ocupado en cada época, generalmente relacionada exclusivamente a la belleza, la sensibilidad, la sensualidad y la maternidad; la mujer funcional, la mujer como objeto; pero ya desde algún tiempo esto ha ido cambiando, el cuerpo se ha re-significado, el potencial que en él guarda se ha explotado, otorgado por la libertad de la cual ella (mujer) se apodera, dejando a un lado toda la moral y la ética social, evoca al comportamiento instintivo mostrando su cuerpo al antojo.

La mujer que protesta, mujeres referentes de la organización feminista Femen  “¡Nuestro Dios es la mujer, nuestra misión es la protesta, nuestras armas son los pechos desnudos!”   Exhiben su pecho, la herramienta(o arma) femenina, el objeto de deseo exhibido a diestra y siniestra masivamente, a este mismo recurso se le da un giro con la finalidad de plasmar la consigna, volviéndose llamativo para el común de las personas pero fuera de la moral social, por consiguiente  la performance culmina al hacerse presente la Represión debido a la subversión del acto. 

La investigación artística visual se ha centrado en  el juego de enfrentar el cruce de imágenes de aquellas mujeres hermosas  rotundas, tiernas adolescentes,  ninfas, diosas que hábilmente retrataba Bouguereau en la época romántica con estos archivos almacenados en la red  de estas nuevas mujeres  rompe reglas que salen a la calle y exhiben las consignas de reclamo feministas retratadas en su pecho/abdomen; de este modo se re-construye una nueva escena de la mujer actual que está siendo reprimida por intentar hacer uso de su propio cuerpo para hacer frente, pero a la vez está liberándose  gracias a la fuerza divina que llega de los cielos (los ángeles). Es por lo mismo, que se vuelve a reiterar la idea de enfrentar en este caso el cruce de materialidades por la carga significativa que tienen, por un lado se sigue manteniendo la utilización del óleo como elemento principal  de la pintura clásica con nuevos materiales tales como el latex, esmalte, miel, colorantes y corchetes que apuntan a los nuevos métodos materiales de la nueva pintura; se deja de lado el soporte clásico de la pintura; la tela, para experimentar con otros soportes que le dan un nuevo sentido más significativo a la pintura de hoy, haciendo un quiebre con lo tradicional para llegar a lo cotidiano y cercano, se utiliza madera, vidrio, papeles, diarios, muros, etc. Objetos que fácilmente son encontrados en cualquier lugar para ser resituado en el contexto pictórico; la madera densa como la fuerza y convicción, el vidrio como lo bello y frágil, el papel como sencillo y común. El corchete/grapa actúa como la sutura que une las heridas demarcada en ambas mujeres, es decir, la mujer bella frágil y funcional con la mujer consciente de sí misma, que tiene voz y decide por ella, pero que sigue siendo contenida y/o reprimida. 

El dibujo de las obras tradicionales de Bouguereau diluidas en trementina yace por la necesidad de querer borrar esa idea de que la mujer sólo sirve para ser  madre y criar; por consiguiente la pintura de la chica con voz y triunfo retoma fuerza e importancia a través de la viveza de su carnación dada por la pastosidad plasmada por el óleo/miel. Es así que esta obra permite una directa interacción entre conceptos, materialidades y diferentes técnicas.

Descripción el trabajo se basará en una serie de 3 pinturas sobre soportes de madera de 100×140 cms c/u, en donde se realizará un cruce de técnicas mixtas (pintura, dibujo y grapas) con pinturas clásicas de Bouguereau en dibujo diluidas con trementina y pinturas al óleo propiamente tal de imágenes archivo de chicas Femen siendo reprimidas por policías. La serie constará en la progresiva destrucción del soporte que luego será reconstruido con grapas.

Para el montaje se necesita de una pared amplia, considerando un espacio de trabajo de  un total de 320 centímetros de ancho (incluyendo las separaciones entre pinturas) y un alto de 140 centímetros. 

Javiera Valencia Arenas

Artista Visual. Nació en Santiago de Chile, el 6 de Julio de 1985. Realizó estudios de Diseño Industrial en la Universidad  Diego Portales. En el año 2007 ingresó a la Facultad de Bellas Artes en la Universidad Finis Terrae  para luego el año 2008 viajar a Buenos Aires a seguir con sus estudios en  el Instituto Universitario Nacional de las Artes (IUNA) con la Licenciatura en Artes Visuales especializándose en Pintura y a su vez comenzó la carrera de Profesorado en Artes Visuales  en la misma Universidad

Participó del taller de Grabado, de Alfonsina Nespolo. En el año 2009 junto a otros artista creó Manjar al azar, colectivo de intervención Urbana, con los cuales intervino partes de la ciudad de Buenos Aires. (http://manjaralazar.blogspot.com)

2013 participó con un colectivo de artistas en ESTO NO ES UNA FERIA, San Isidro, Buenos Aires. En el año 2014 Realizó Seminario de Diseño y Formación de Proyectos Artísticos en Buenos Aires y otro de Herramientas para la comunicación de proyectos Artisticos en la misma ciudad.

Proyecto “Ellas”

La serie nos invita a dialogar con el color. Tonos, sombras y contrastes construyen la imagen de mujeres anónimas y mundanas que al ser expuestas en la tela se convierten en íconos pictóricos. El color sostiene los contornos de estos anonimatos femeninos y a su vez representa, en sus diferencias y excesos, la dualidad de las apariencias contemporáneas. 

¿Qué imagen de nosotros mismos presentamos al mundo? ¿Cuál es la imagen que la sociedad contemporánea atiborrada de exitismo y competitividad nos induce a interpretar? 

El uso ilimitado del color simboliza el exceso de estas apariencias en la era de la imagen, donde fantasía y realidad se confunden y entran en conflicto. En ocasiones llegará al punto abstracto; forma y color se unirán en una textura sin fin. Javiera Valencia pone en la tela esa relación dialógica que esconde y revela al mismo tiempo esa dualidad del ser de hoy. Valencia invita al espectador a leer Ellas en sus diferencias y similitudes para encontrar esa doble significación que el color y la forma traslucen  (Catalina Arroyo Llona).